Dadaístas.
Francis Picabia.
Francis Picabia.
El parisino es el autor de los retratos-máquina del dadaísmo. Sus comienzos son muy parecidos a los de Duchamp, pero a diferencia de éste, Picabia adquiere cierta fama como paisajista al estilo impresionista de Alfred Sisley y Camille Pissarro. Su época impresionista transcurre en los primeros años del siglo XX. Es desde entonces, y hasta 1913, cuando se desarrolla su etapa cubista. La última etapa propiamente cubista corresponde con el exilio en Nueva York, y es en la gran urbe americana, junto con Marcel Duchamp, donde sigue realizando pinturas cubistas y abstractas.
Francis Picabia
Francis-Marie Martínez Picabia nació en París, el 22 de enero de 1879.De padre cubano nacionalizado en Francia, se formó L’École des Beaux-Arts y en la École des Arts Décoratifs de París.
Tras recibir la influencia del impresionismo y del fauvismo, especialmente de Camille Pissarro y Alfred Sisley , practicó todos los estilos de la vanguardia de su época: el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el figurativismo el surrealismo y el arte abstracto, el dibujo y el collage.
Entre 1909 y 1911 se vinculó al cubismo, siendo miembro del Grupo de Puteaux, en el que hizo amistad con los Hermanos Duchamp.
En 1913, viajó a Nueva York para asistir a la exposición “The Internacional Exhibition of Modern Art”, que pretendía mostrar al pueblo estadounidense las vanguardias europeas.
En el citado viaje contactó con el famoso fotógrafo Alfred Stieglitz, marido de la pintora Georgia O’Keeffe, que había introducido de forma tímida la obra vanguardista europea en Estados Unidos, y con con los pintores dadaistas americanos.
En 1916 publicó en Barcelona, ciudad en la que residió dos años, “291”, una revista de dadaismo, en la que contó con la colaboración de Guillaume Apollinaire, Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Cocteau.
Residió una larga temporada en la Costa Azul, durante la que realizó pintura surrealista. A su regreso a París, fundó una nueva revista: “391”, en compañía de André Breton.
En 1917, entró de lleno en el dadaismo, influenciado por la obra de Tristan Tzara.
Sus obras posteriores, son más futuristas, como “El apuro”, actualmente en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que junto a una serie de obras se pueden calificar como “transposiciones abstractas de experiencias íntimas”.
El Museo Reina Sofia de Madrid alberga varias obras del pintor.
A partir de 1924, volvió al figurativismo, con obras de influencia surrealista.
Murió en París, el 30 de noviembre de 1953.
Leonora Carrington.
El grito
(British, 1917–2011)
Remedios Varo.
María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga fue una de las más interesantes exponentes del movimiento surrealista en nuestro país. En sus obras trataba de plasmar un mundo irracional y emotivo, una atmósfera íntima, un universo en donde las mujeres son, más que objetos del deseo, madres, magas, alquimistas y generadoras de vida.
Los contornos y las formas de la obra son primordialmente circulares, además de que la obra pose gran cantidad deformas esféricas lo que la probé de mucho equilibrio, ligereza y movimiento. A primera vista podemos ver a una figura antropomorfa femenina de pelo blanco cubierta por un manto verde que va desde debajo de su nariz hasta un poco abajo de las rodillas, dejándole únicamente parte de las piernas descubiertas junto con las manos. La mirada de la mujer no se dirige hacia el espectador, mas bien se dirige ligeramente hacía su derecha, en el manto verde podemos ver un rostro semejante al de ella que mira en sentido opuesto. En su mano izquierda la mujer sostiene una larga barba que pertenece a la cabeza masculina, esta ultima es calva; en la mano derecha lleva una pequeña canasta que contiene lo que parecen ser hilos, un cordel, un reloj, junto con otro elemento que parece ser otro reloj o un gotero, además de estos hay plumas y unos lentes cuyo cristal parece que tienen forma de lunas acostadas. La cabeza antropomorfa masculina es blanca y transparentosa, esta cuelga sobre lo que a parece un pequeño poso, este ultimo se encuentra sobre una plataforma que pose la misma forma. Parte de la mujer también se encuentra sobre la plataforma, uno de sus pies que esta cruzado hacia atrás se encuentra parte en ella parte en el piso, lo que aumenta el movimiento y la sensación de ligereza antes mencionado. La mujer se encuentra rodeada por una construcción de forma circular de color naranja. En la construcción en el lado derecho de la mujer hay una puerta abierta con un pequeño letrero que dice literalmente; “DOCTOR Veti FJA psicoanalista. Al lado izquierdo de la mujer hay una puerta cerrada y en la construcción hay 6 ventanas. Dos de las cuales son rectangulares y se encuentran casi sobre las puertas que posen las mismas formas, estando estas en las orillas.
Mujer saliendo del Psicoanalista.
Mujer saliendo del psicoanalista
óleo sobre tela
71x 41 cm
1961
obra surrealista
Wassily Kandinsky
articulo.mercadolibre.com.ar
Línea Transversa.
Línea Transversa.
Línea Transversa
Trabajo de arte
Artista: Vasili Kandinski
Ubicación: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
Período: Modernidad
Técnica: Pintura al óleo
Fecha de creación: 1923–1923
Género: Arte abstracto
Franz Marc, Caballo en el paisaje.
Caballo en un paisaje (1910),
Franz Marc.
Óleo sobre lienzo, 112 x 85 cm,
Museo Folkwang, Essen.
http://www.entretantomagazine.com/2014/05/19/lunes-de-arte-caballo-en-un-paisaje/
Esta es una de las primeras obras en las que Franz Marc, inspirado por el trabajo de Kandinsky, experimentó con el color. Muchas de sus pinturas muestran animales en su entorno natural, subrayando una simplicidad compositiva que se convertirá en característica de su pintura. Esto le permitió centrarse en el animal como representación de las emociones en estado puro, sin distracciones externas. Su experimentación con los colores le llevó a asociarlos con diversos significados emocionales: el azul lo utilizaba para representar la masculinidad y lo espiritual, el amarillo y los tonos ocres simbolizaban la feminidad y alegría, mientras que los rojos eran asociados con la seriedad y la violencia.
Su trayectoria artística fue muy corta (murió a los 36 años) y su trabajo causó controversia en Alemania. Durante la década de 1930 el gobierno alemán retiró su obra de las colecciones nacionales, por considerarlo “degenerado”. A pesar de ello, fue muy apreciado por sus coetáneos y supuso una influencia decisiva en la representación de lo mundano.
Wassily Kandinsky Gabriele Munter Pintando.
Gabriele Münter pintando en Kallmünz
Obra de Vasilu Kandinsky, 1903
Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munich
Obra de Vasilu Kandinsky, 1903
Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munich
Gabriele Münter nació en Berlín, el 19 de febrero de 1977. Se formó en la Malschule für Damen, la escuela de dibujo para mujeres de Düsseldorf, en 1897 Entre 1898 y 1901 viajó por América, visitando San Luis y Nueva York. En 1901, ingresó en la escuela Phalanx de Munich, donde tuvo como maestro a Vasily Kandinsky que había fundado esta escuela junto a Niczky Rolf , Hecker Waldemar, y Hüsgen Wilhelm. Esta asociación que pretendía una total renovación del arte organizó, entre 1901 y 1904, doce exposiciones con obras de sus miembros y de otros artistas como Claude Monet, artistas del Jugendstil ( Art Nouveau ), Simbolistas y Post-impresionistas. El grupo se disolvió en 1905.
Gabriele Münter y Kandinsky viajaron a Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. Durante su primera estancia en París en 1906 y 1907, conoce la obra de Henri Matisse y de otros pintores fauvistas. Esta experiencia le influirá en su estilo con posterioridad.
En el verano de 1908, Kandinsky pasó varias semanas en Murnau con Gabriele Münter. En este contexto idílico la pareja multiplicó sus investigaciones con una auténtica euforia. La Naturaleza se convierte en el estímulo externo o pretexto que transformada libremente por líneas y colores se transforma en motivo lírico. En este momento, Kandinsky sentía que el objeto distraía a la finalidad del cuadro y hacía que su observación quedara en aspectos meramente descriptivos.
Wassily Kandinsky, Improvisation 6.
Improvisation 6 (African)
1909
Oil on canvas
42.1 × 39.2" (107.0 × 99.5 cm)
Munich, Germany. Lenbachhaus Gallery
Wassily Kandinsky, Cementerio y Casa Parroquial en Kochel
1909
Oil on cardboard
17.5 × 12.9" (44.4 × 32.7 cm)
Munich, Germany. Lenbachhaus Gallery
Wassily Kandinsky,Improvizacion 9
Improvisation 9
1910
Oil on canvas
43.3 × 43.3" (110.0 × 110.0 cm)
Stuttgart, Germany. Staatsgalerie Stuttgart
Wassily Kandinsky Composition VII
Composición VII
WASSILY KANDINSKY (Rusia, 1866-1944)
1913
óleo sobre lienzo, 195 x 300 cm. - Galería Tretyakov, Moscú
óleo sobre lienzo, 195 x 300 cm. - Galería Tretyakov, Moscú
Wassily Kandinsky Improvisación Barranco
Improvisación Barranco´óleo sobre tela 110 x 110 cm
Munich Galeria Estatal de Lenbachaus
Piet Mondrian, Neoplasticista
Piet Mondrian fue un pintor holandés que consiguió llevar a la pintura abstracta hasta el último extremo. A pesar de que sus pinturas han sido en muchas ocasiones consideradas como triviales y simples, esta simplicidad es simplemente aparente. Sus obras más conocidos son sus pinturas no figurativas, a las que el dio el nombre de composiciones, consistentes en una suma de formas cuadradas y rectangulares de colores amarillo, azul, blanco, gris, negro o rojo, separadas por líneas gruesas negras.
Mondrian nació el 7 de marzo de 1872 en la ciudad holandesa de Amersfoort, siendo su nombre completo Pieter Cornelis Mondrian. Su afición por la pintura le llevó, en contra de los deseos de sufamilia y más en concreto de su padre, un maestro de creencias calvinistas, a decidir encauzar su vida profesional hacia la carrera artística, cursando sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam.Sus primeras obras conocidas se trataban de paisajes en calma en los que predominaban los tonos grises, verde oscuro y malva. No fue hasta 1908 cuando empezó a utilizar y jugar en su pintura con colores más brillantes, siendo patente la influencia en sus obras de su compatriota el pintor Jan Toorop. En este punto su pintura empezó a sufrir una clara evolución hacia la abstracción.
En 1911 se mudaba a París donde su pintura adoptó muchos aspectos del cubismo, apartándose poco a poco del naturalismo y terminar por pintar cuadros exclusivamente abstractos donde predominaban los trazos sencillos horizontales y verticales.
Fue en 1917 cuandojunto con el también holandés Theo van Doesburg fundaba el movimiento y grupo de arte De Stijl, plasmado en la revista del mismo nombre, en la cual Mondrian desarrolló su teoría sobre una nueva forma artística a la que denominó neoplasticismo y que él consideraba como la verdadera pintura abstracta.
Composición en rojo, amarillo y azul
Piet Mondrian fue un pintor holandés que consiguió llevar a la pintura abstracta hasta el último extremo. A pesar de que sus pinturas han sido en muchas ocasiones consideradas como triviales y simples, esta simplicidad es simplemente aparente. Sus obras más conocidos son sus pinturas no figurativas, a las que el dio el nombre de composiciones, consistentes en una suma de formas cuadradas y rectangulares de colores amarillo, azul, blanco, gris, negro o rojo, separadas por líneas gruesas negras.
Mondrian nació el 7 de marzo de 1872 en la ciudad holandesa de Amersfoort, siendo su nombre completo Pieter Cornelis Mondrian. Su afición por la pintura le llevó, en contra de los deseos de su
En 1911 se mudaba a París donde su pintura adoptó muchos aspectos del cubismo, apartándose poco a poco del naturalismo y terminar por pintar cuadros exclusivamente abstractos donde predominaban los trazos sencillos horizontales y verticales.
Fue en 1917 cuando
Composición en rojo, amarillo y azul
1921,
óleo sobre lienzo,
595x595 mm,
Gemeentemuseum, La Haya
http://www.lienzos.net/2012/10/piet-mondrian-curiosidades-y-obras-destacadas.html
http://www.lienzos.net/2012/10/piet-mondrian-curiosidades-y-obras-destacadas.html
Neoplasticismo y obra de Piet Mondrian
Introducción al movimiento artístico del Neoplasticismo
El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920, se basa en una concepción analítica de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
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